La Vida Boheme

Un grito de libertad para los rebeldes e inadaptados…

por: Bernardo Ameneyro Esquivel

@nayoameneyro

De estilo desenfadado y charla amena, nuestros nuevos amigos de La Vida Boheme nos platicaron de “Nuestra” su primera producción. Originarios de Caracas, Venezuela, la banda de rock conformada por Henry (guitarra y voz); Sebastian (batería); Rafael (bajo) y Daniel (guitarra), compartieron sus polifacéticos intereses artísticos.

La escena independiente en Venezuela.

“En nuestro país la escena del rock independiente es pequeñita, no hay muchas disqueras que apuesten a este género, pero afortunadamente nos ha ido muy bien con All Of the Above, hemos logrado cosas importantes en poco tiempo, ha sido una experiencia muy grata.”

¿En qué coinciden y en qué se diferencian el público mexicano del venezolano?

“En México el público es mucho más abierto, la interacción es casi instantánea, nos escuchan un par de minutos y si les gusta el ritmo, se ponen a bailar de inmediato, se apropian de las canciones y de eso se trata, nos encanta que bailen y coreen nuestras canciones porque las hacemos para ellos, para que se diviertan y pasen un buen rato.”

“En Venezuela pasa algo curioso, en los conciertos podemos ver que si bien nos escuchan, se tardan un poco más en hacer click con lo que decimos y tocamos, allá la gente no se entrega desde el primer momento, no quieren caer en la idolatría y lo respetamos, al final la interacción se dio y eso es lo que cuenta.”

¿Cuál de las presentaciones que han hecho en México es la qué más disfrutaron?

Tijuana! (contestan al unísono) fue una experiencia muy grata, el lugar no se prestaba para nada, el sonido era pésimo porque el lugar no era apto para esto; era un table dance, el escenario tenía cadenas y tubos para las bailarinas; tuvimos que adaptarnos de inmediato; pasaron 2 canciones y aquello era una fiesta de mierda, todos estaban bailando, nos aceptaron casi de inmediato, esto a pesar de que no nos conocían, por fortuna todo acabo en una gran fiesta a la cual nos integramos al final, nos tomamos muchas fotos y pudimos convivir con un público único, una experiencia muy divertida.

“Gabba Gabba Hey!” ¿Es un grito de fiesta o de lucha, de resistencia?

“Se trata de una expresión utilizada por Los Ramones en la canción Pinhead; dándole un sentido de saludo entre camaradas, de esos que son señalados como inadaptados, un saludo que solo miembros del grupo reconocen y los hacen sentir parte de algo; de ahí lo tomamos.”

Podrían describir su proceso creativo?

“Todos participamos; Henry llega con una nueva idea, la platicamos en los ensayos, y empezamos a aportar, cada canción tiene su propio concepto, no hay fórmulas para poder crear canciones, empezamos a tocar cada uno, opinamos sobre lo que podría ser el mejor camino y listo; hay días que nos atoramos, sí, pero siempre sale, hay veces que Daniel resuelve todo con un buen riff y toma la forma final.”

La música y la política de mierda; a propósito del movimiento #132…

“Al viajar hemos visto con tristeza que en toda Latinoamérica tenemos historias parecidas; la falta de democratización de los medios, la manipulación, las grandes desigualdades y la violencia están presentes todos los días. Sí nos identificamos y simpatizamos con el movimiento, de hecho los estudiantes nos han buscado. Para nosotros es importante dar un mensaje de unidad, de no permitir a esos políticos de mierda que solo les interesa cuidar sus propios intereses.”

Se puede combatir la violencia con el rock?

“Creemos que sí, para nosotros hacer música es un acto muy personal, cuando estamos en el escenario logramos un efecto catártico, sacamos todo lo que nos duela, nos preocupa o afecta, es una manera de poder compartir con los demás lo que sentimos y tratar de que se identifiquen. Por eso decimos que los gobiernos se tumban bailando.”

Presentación en el Pasagüero (RESEÑA)

Pareciera que salieron de una obra de Jackson Pollock, pintados de pies a cabeza, se les nota ansiosos, llenos de energía, listos para volverse a entregar y disfrutar del contacto de la gente; nos saludan con “Radio Capital”, adelantando lo que seria una noche completa, echando toda la carne al asador desde el principio.

Fieles a su base o estilo bailable, los caraqueños lograron provocar en los asistentes movimientos casi involuntarios con sus canciones repletas de sonidos y mensajes latinos, hay protesta sí, pero principalmente compromiso por entretener a través de sonidos huérfanos que nos remiten a una clara influencia del punk de Los Ramones y de The Clash y a algunos sonidos electrónicos rockeados de LCD Sound System y The Rapture.

Con la atención de los presentes capturada; los temas del disco “Nuestra” mejor recibidos fueron: “Danz!”; “El sentimiento ha muerto”; “El Zar”; “Calle Barcelona” y “Huxley”.

Fieles al manifiesto emitido por su disquera, el compromiso en cada uno de sus temas para con sus público es total, en cierta medida podemos apreciar que se presentan para agradecer a quienes les apoyan; demuestran pues que lo más importante de ser músicos deben ser sus seguidores, por eso provocan el contacto con la gente, rompiendo la barrera de lo que representa un escenario, armando la fiesta en medio de los que bailan, brindan, festejan, sudan y viven cada una de las canciones.

La Moni, mi chaparrita cosita mamá y mi canijo

Momentum

La importancia del tiempo.

Por: Bernardo Ameneyro Esquivel

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Con una escenografía que en lo básico y simplista logra su grandeza, Mayumana, el colectivo de danza y percusiones nacido en Israel, conformado por un elenco internacional, presento en nuestro país el espectáculo titulado “Momentum”; memorable, enriquecedor y divertido.

El ambiente se lleno de golpe de espectaculares coreografías, sonidos guturales y corporales logrando desde el primer acto la interacción ya sea por redes sociales, que los que lo vivieron personalmente. 

Con música en vivo, una iluminación que con el paso de los minutos, ya sea con imitaciones de cajas de sonidos o de música hecha por el corazón; cada elemento se convierte también en un personaje y con un sentido del humor fascinante, la compañía de origen israelí, lleno de aplausos y música el recinto de la colonia Roma Norte.

Momentum es el resultado del conjunto de talentos que llenan de ruido, baile y risas no solo el escenario sino cada butaca del Teatro Telmex que sin duda encontrara en esta obra un referente histórico de cómo se entretiene a la gente con una obra de arte que nos hace reflexionar sobre la importancia del tiempo y el movimiento.

Una producción sobresaliente en el renglón tecnológico que logra una fiesta llena de colores y música, donde la rutina del contacto con el público logra una grata impresión de abrumadora improvisación.

Eso es Momentum, una obra en la que participan todos, y sí efectivamente logra detener el tiempo.

Celso Piña

El rebelde del acordeón volvió a hacer de las suyas

Por: Bernardo Ameneyro Esquivel

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http://www.indierocks.mx/2012/05/el-rebelde-del-acordeon-volvio-a-hacer-de-las-suyas/

                       

Orgullosamente Regiomontano y de trato amable, Celso es la raza, el compa, el acordeonista de la cumbia, el rebelde y músico autodidacta que prefería aprender “de oido” a tocar su entrañable y tradicional instrumento que estar con los “compas”, dando la vuelta o de fiesta, cumplió más de 30 años de carrera artística tocando cumbias inolvidables que igual se bailan en un saloncito, un bar rocker, en la calle, en festivales o masivos.

El disco Zona Preferente En Vivo desde el Auditorio Nacional consta de dos discos del concierto y un DVD, donde se puede ver a un Celso contento, confiado, preocupado por tener la mejor comunicación con su público, el mismo que coreaba y bailaba una a una los 22 éxitos que hicieron cimbrar a ritmo de cumbia, rock, hiphop, R&B, norteño y sonidero el recinto ubicado en el Paseo de la Reforma.

Platícanos de este nuevo disco.

Es un disco que yo tenía muchas ganas de hacer, es el primer disco en vivo que hace mi compañía La Tuna Records y con el apoyo de Warner lo estamos lanzando, ya esta a la venta desde hace una semana y estamos planeando colocarlo en Europa. La idea es entregar al público un disco donde puedan ver el avance musical que hemos tenido desde que empezamos a tocar en la década de los 80.

¿Para dichos avances es necesario que como líder del proyecto te involucres en todos los detalles?

Sí claro, como líder tienes que estar al frente de todo, plasmar más de 30 años fue difícil, pero hicimos esta selección que esperemos que sea de su agrado.

¿Cuando uno te ve en el escenario piensa que el primero en divertirse eres tú, cómo logras eso si lo has visto todo?

Sigue siendo divertido, damos estilo a nuestro arte, la interacción del público con uno es más padre; después de 30 años aprendes como prender a la raza, tratamos mantener un nivel mientras hacemos música, como una flama, ni muy baja ni muy intensa.

¿Cómo combatir la piratería?

Pos que este bara… que comparen, que estas comprando tres discos, 2 de música y uno de DVD con calidad de audio y video que no van a encontrar… Queremos decirles que vamos a estar muy movidos, lo vamos a presentar en Monterrey el 9 de Junio en el Foro Colón y va a ser gratis, un regalo pa’ toda mi banda de allá.

¿Como era tu primer acordeón, quién teenseño a tocar?

El primero era de teclas, no como el que uso ahora, no me gusto porque tenía un sonido tropical; no era el sonido norteño, lo cambie de inmediato por uno de dos hileras y en cuanto a la enseñanza tuve maestros virtuales, escuchando discos, y empezaba a imitarlos, hasta que se rayaba el disco y compraba el mismo de nuevo, del mismo artista, de Alfredo Gutierrez; a él lo conocí en Colombia y le dije esto, que si sabía que él había sido mi maestro de acordeón y contestó ¿pero cómo si yo en ese tiempo no viajé a México? y le aclaré que había sido a través de un disco. Y esto fue porque lo que yo quería tocar pues nadie me lo podía enseñar, así que me encerraba en el sótano de mi casa con un tocadiscos chiquito y me la pasaba horas y así fue como aprendí.

¿Con quién fue que hiciste tu primer experimento de fusión de sonidos?

El primero fue con unos cuates El Queso y El Edder, (argentino y brasileño respectivamente) estuvimos jugando en el estudio sacando este nuevo estilo y resulto muy bien porque de ahí nació mi primer disco de fusiones en el 2000: Barrio Bravo, que lo hicimos con Control Machete, Guadalupe Esparza, Café Tacuba, La Firma; etc.

Esto con la ayuda de William Villarreal (ex bajista de El Gran Silencio) que fue el productor con quien nacieron las primeras maquetas. 
El disco Zona Preferente nos ubica desde una perspectiva ideal, en uno de los mejores momentos de la carrera de Celso, un músico que se atrevió a experimentar sonidos de música regional (norteña) con otros en apariencia distantes; un fenómeno por el aporte y talento, uno de los músicos más divertidos para apreciar en vivo en nuestra actualidad.

Siente el movimiento

Coca-Cola y Belanova te ponen a bailar con su nuevo experimento sonoro "Siente el movimiento"; su nuevo himno para celebrar los Juegos Olímpicos de Londres 2012.


Imágenes de Conferencia de Prensa y presentación de campaña para Latinoamérica.

Twitter: @nayoameneyro

School of Rock México.

Educación musical lúdica que dice NO a la violencia.

Por: Bernardo Ameneyro Esquivel

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Luego de ser testigos del conmovedor mensaje que por convicción propia, los niños de School of Rock México, plantel Cumbres, difundieron al tocar un cover del exitoso tema de la banda irlandesa U2 “Sunday Blody Sunday”, en protesta a la situación de violencia de la cual son testigos día a día, en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, no podemos más que unir nuestra voz en contra de los innumerables hechos lamentables de violencia que atraviesa nuestro país.


Aquí el video:

Decidieron alzar la voz con un sentido muy coherente de una realidad que asquea, y que por momentos pareciera no importarle a quienes deberíamos poner el ejemplo en sus vidas… los adultos.

En entrevista para Indie Rocks! con Flip Tamez (Jumbo) y Alan Robles (Niña), coincidieron, ahora desde la perspectiva de maestros, que les permite convivir a diario con niños llenos de talento e inquietudes dignas de tomar en cuenta: “Como ha sido desde siempre, en el plano de lo creativo y qué mejor que sea el rock, el vehículo, los niños fueron los que hicieron sus carteles, dibujos y decidieron aventarse con este nuevo proyecto, covereando una de las rolas más emblemáticas que tocan este tipo de temas”.

“Están hartos de la situación, y al mismo tiempo están muy bien informados, les da coraje la impunidad y la falta de justicia, uno de ellos ya sufrió en carne propia lo que es la violencia, pues al venir su papá por él, los asaltaron, quitándoles su camioneta; son cosas que no debería vivir ningún chavito”.

“Fue entonces cuando se organizaron, platicaron mucho entre ellos, lograron sublimar el miedo y tocaron la rola, haciendo valer su voz, y esta padre que la música les haya servido para este mensaje tan noble”.

Indie Rocks! De visita en School of Rock México D.F.

Basta con ser testigos de la proxémica en las clases del instituto para poder entender la enorme diferencia que existe entre este tipo de educación y la que desafortunadamente estamos acostumbrados.

Ya sea individuales e incluso en las clases grupales, la dinámica es diferente: “la cosa es más personal, en el contacto uno a uno”, aseguró Luis “Fara” Domínguez; Director Musical de la School of Rock México, plantel D.F.

Luis "Fara" Domínguez

En puntos de vista similares, tanto Luis, que también es integrante de la banda Quiero Club; Flip Tamez y Alan Robles, coincidieron en que a diferencia de lo que ellos habían vivido de niños al estudiar primero guitarra clásica, en medio de muchos otros, la verdad es que se aburrían; “no había esa trasmisión de ideas, de experiencias, de conceptos que solo la cercanía y el trato día a día, te puede dar una idea real de los avances que tenga un niño, no importando que nunca haya agarrado una guitarra”, aseguró Flip Tamez quien sin lugar a dudas, se le iluminan los ojos y denota emoción en su voz cuando habla de sus alumnos.

Platicando del detalle en el desarrollo de la clase, “Fara” indico que en Rock 1.0.1 (Introducción al instrumento); “la cosa es inmediata, o sea, primero toca y después ya te digo lo que estas haciendo, es un juego al final de cuentas, y batallan un poco al principio, pero después da darle 2 o 3 vueltas, les sale…”

“Si estas en batería, guitarra, teclado, bajo, les enseñamos lo más elemental, con canciones simples, pero que no dejan de ser divertidas”. Recordó que “en las clases de preparatoria, el maestro de guitarra no podía ponernos atención a todos, era imposible, por eso en School of Rock primero les damos su clase individual y después su clase grupal”

En esta etapa de docencia tanto Flip, como Alan y el propio Luis, reconocieron que al estar enseñando uno no deja de aprender, lo cual les ayuda para sus proyectos alternos; los 3 descubrieron primero, que tenían vocación para enseñar, después, que las posibilidades del proyecto son mayores a las inicialmente soñadas y tercero el aspecto lúdico y se puede ver a un Flip con muchos años de experiencia, que las ha sufrido todas, divirtiéndose en lo que difícilmente tengo que nombrar como un aula; “el juego ayuda mucho, es la mejor manera de aprender y nunca se les va a olvidar”, agregó.

¿Cómo saber si un niño puede vivir por y para la música?

“Es imposible de saber, yo puedo reconocer si alguien tiene habilidad o talento, pero que se dedique a esto es otra cosa; yo les trato de transmitir que se deben comprometer, es ponernos a pensar que puedo yo darle a la música, es una especie de intercambio, porque si no le siembras nada a la música, pues… la música no te debe nada, si lo pusiéramos en porcentajes es 80% dedicación y 20% talento; aseguró “Fara”

“Se trata de estimular la creatividad con diversión y de hecho hay pique o competencia al ver que a sus demás compañeros ya le salio algo y se esfuerzan, es como lo que le pasaba a los Beatles entre John y Paul y el mismo George y luego se daban cuenta de lo que hacían los de The Who y con los Rolling Stone, y es una bola de nieve que va creciendo bien padre…” Aseguró el bajista de la banda Quiero Club.

“Tenemos como 30 alumnos, vienen de lunes a jueves porque los maestros de School of Rock estamos tocando con nuestras respectivas bandas los fines de semana”. Al igual que los niños de Cumbres, los del D.F. harán lo propio: “Nosotros ya tenemos definida nuestra “House Band” –selección de los mejores alumnos- y en Mayo haremos nuestro primer concierto”. Concluyó.

“El ser parte de una franquicia con casi 70 Escuelas en los Estados Unidos y 3 en México, nos hace ser una propuesta sólida y muy diferente a las Escuelas que hay en el país: no es sólo el método que han desarrollado para que los niños aprendan, sino las oportunidades que los chavos tienen de VIVIR una experiencia muy interesante a nivel nacional e internacional que les cambia la vida.

Esta no es una Escuela de música es una especie de “All Access Pass” a los diferentes aspectos de la vida de un músico activo, que se convertiran en una parte importantísima de la educación integral de cualquier individuo creativo y por ende, más sensible, más humano”

“No se trata tanto de formar músicos como de desarrollar personas creativas, para que sean lo que sean de adultos lo hagan con esa actitud rockera: con pasión y corazón”, comentó la General Manager del plantel D.F. Liliana Vélez.
                                                   

All City Canvas

Arte Urbano en México.

Por: Bernardo Ameneyro Esquivel

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9 muros, una semana, litros de pintura y el gran talento de 9 de los artistas con mayor reconocimiento a nivel mundial, fueron elementos suficientes para que la primera edición del Festival Urbano All City Canvas llenara de color la Ciudad de México. La tradición del muralismo en nuestro país fue pretexto suficiente para poder llenar de vida muros desnudos a la intemperie y a los elementos para revestirlos de historias, personajes y seres de otro mundo con el objetivo simple de llevar arte para todos.

En entrevista para la Revista Indie Rocks! 3 de estos talentos internacionales nos platicaron de su obra y lo que les representaba su participación en este festival incluyente de proporciones majestuosas.

MAC (Estados Unidos / Hotel Reforma Avenue)

¿Cómo te invitaron al Festival All City Canvas?

Participe en otro proyecto con ARTO en Monterrey y Campeche y me dijeron que estaba este proyecto.

¿El mensaje principal de este festival es que el arte es para todos?

Sí; Es algo personal, para toda la gente, cuando se hace arte en un lugar público hay un poco de responsabilidad de hacer algo que pueda inspirar a la gente y que pueda ser algo bueno. Prefiero hacer cosas para el público porque tiene mayor valor, cuando hago una tela un dibujo pequeño es una cosa que se puede vender, pero cuando hago un mural, no se puede comprar, no se puede vender es algo para la ciudad.

El proceso creativo.

Empecé a hacer grafiti de más joven, por eso es que estoy en esto, toda la vida hice arte; Siempre he dibujado cosas que tienen que ver con la vida, con la naturaleza,con el tiempo se aprende a dibujar las características de la cara, el cuerpo. Prefiero pintar rostros, figuras, animales.

El muro del Hotel Reforma.

Estoy haciendo un retrato de una señora de la que tome unas fotos, se llama María Guardado, que conocí en Los Ángeles, ella es de El Salvador. Ella fue activista en su país, fue torturada, paso por muchas cosas muy malas, se escapo en los Estados Unidos y a pesar de su edad ella tiene mucha energía.

Es un homenaje a esa señora en particular, pero se pueden representar a muchas más personas, la gente puede verla y puede llegar a pensar que es alguien de su familia. (que se identifiquen).

¿Qué busacas con tu participación en este festival?

Hay mucha historia del muralismo en México, y como artista tengo mucho respeto por los grandes y su arte, sus murales me han afectado mucho y por eso es importante darle algo más al movimiento; es importante para mi porque en este país pasan cosas malas y es una contribución pequeña y cuando entregas arte con alma y habilidad pueden decir que hay más que sobrevivir. Los murales no están vendiendo arte.

HERAKUT (Alemania / Periódico El Universal)

¿Cómo se han sentido en México, cómo fue que los invitaron a participar en este festival de arte urbano?

Muy bien; Por un e-mail; Hace un año se pusieron en contacto los organizadores ya que les gusto nuestro trabajo.

 

Que hay con su proceso creativo?

No nos preocupa hacer bocetos, vamos al lugar, nos sentamos frente a la pared, y es cuando empezamos a decidir qué vamos a hacer, nuestro proceso trata más de familiarizamos con el entorno, nos tomamos un café, escuchamos a la gente, es como hacer una polaroid del momento y es lo que plasmamos.

¿Como artistas cuál su objetivo al participar en este festival?

Es solo una pared, es una oportunidad de poder darle algo a la gente, en México tenemos muchos fans y nuestro objetivo es darles algo que puedan ver, en verdad es algo muy simple. No intentamos dar mensajes políticos, se trata de la gente y en especial de decirle a la gente Miren ustedes pueden hacer esto, es divertido hacer algo con tus propias manos. Se trata de demostrar que trabajar con tu cuerpo es muy divertido y de ser valientes y que no dejen que un gran muro los impresione o espante.

¿El arte es para todos, cuál es el mensaje?

Si, totalmente, se trata de aprovechar el talento que tenemos y compartirlo con los demás, no solo con los círculos exclusivos, esto es para todos, es por eso que no tenemos un plan, buscamos reflejar a la gente que nos rodea al estar trabajando, es una conexión muy fuerte.

¿Cómo se conocieron, cómo empezaron a trabajar juntos?

Participamos en un festival en Sevilla en el 2004 y desde entonces hemos colaborado en varios proyectos, es una gran amistad, no pensamos en el estilo, solo hacemos lo que nos gusta; compartimos nuestro tiempo, amistad y trabajo

SEGO (México / Hotel W)

¿Cuál fue tu primer acercamiento con el arte?

Pues la verdad no se cómo fue, pero sí recuerdo que hacía mucha cosas con plastilina y también dibujaba y por eso creo que mi arte es como tridimensional, tiene muchos volúmenes por la escultura, creo que tengo más desarrollado ese sentido, pero no me desarrolle como escultor, solo estudie 4 meses escultura, no me gusto porque el nivel de producción es muy lento y yo ya estaba haciendo grafiti.

¿Cómo te involucras en este proyecto?

Por invitación, a los organizadores ya los conocía en el proyecto Mamutt y gracias a la buena relación me invitaron a este proyecto más grande.

¿Qué es lo que estas haciendo en tu muro?

Son unos peces, de fantasía como los que diseño con base en rasgos de otros animales que voy creando, tipo alebrije, o como una especia de bestiarios, prácticamente son animales, son peces y acá lo resolví de una manera horizontal justo con los peces ya que el muro tiene unas características muy especiales, tiene unas maceteras muy grandes que no permiten que yo pinte una pieza totalmente plana, pero esta saliendo bastante bien.

¿Cuál es el mensaje de tu obra, tiene título?

No pongo títulos a mi obra porque s eme hace como enganchar a una idea al espectador y me gusta mucho la interpretación, no siempre estoy yo para explicar las obras pero me gusta mucho lo que las personas opinan o perciben de mi obra y a veces me dan ideas es muy enriquecedor, también es muy importante las críticas de las personas que me rodean, de repente uno puede estar enrolado en su arte y crearlo, pero a mi me ha servido hacerle caso a mis amigos o personas cercanas como de aspectos técnicos, creativos y conceptuales, justo tengo amigos que son biólogos y yo me nutro mucho de hablar con ellos para cargar de conceptualizad mis obras, me da ideas, por ejemplo tengo un amigo que es biomédico y me explica cosas como cuestiones fisiológicas y todo eso enriquece mi trabajo.

¿Tu trabajo sirve para contar historias?

A veces sí, pero si te fijas mis personajes son más estáticos, unos tienen movimiento, pero están en una escena congelada, mi arte es más contemplativo que con un mensaje directo y pues justo la semana pasada recibí un texto de alguien que escribió por una obra mía y le inspiro tantas cosas que él le había escrito una historia al personaje , es un mamut en una escena triste, como abandonado y esta persona le reflejo que era un Mamut que estaba esperando a su familia y que ya eran millones de años que no la encontraba y así nació la historia del personaje.

¿Este tipo de festivales siguen teniendo la esencia del muralismo en México?

Sí, aunque ahora mismo, se manejan otras cosas, como técnicas, colores, otros temas, pero al final es social porque esta en la calle, los tiempos cambian, el arte va cambiando y las necesidades de los artistas también. Y en este país hacen falta buenas noticias; yo he estado en proyectos fuera de México y este es el primero, hay exposiciones grafiti pero de esta manera nunca.

¿Qué hay con tu proceso creativo; cómo decides qué vas a pintar?

Justo tengo etapas donde no dibujo nada pero los estoy procesando, lo tengo en la mente, tengo ideas, como un cuaderno pero en mi cabeza y también como no había tenido tiempo de dibujar justo lo hice en la habitación, pero ya como una idea pre concebida y justo también  con el muro como factor, que tenía condiciones especiales que tenía que resolverlas.